7 majstrovských diel Ermitáže, ktoré sa oplatí vidieť v roku 2020

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Naposledy zmenené: 2023-12-16 00:16

Vedci už dlho dokázali, že umenie má priaznivý vplyv na ľudské zdravie tým, že znižuje mieru úzkosti a stresu v tele. To platí najmä pre výtvarné umenie a kontempláciu krásnych. Preto, aby bol rok 2020 naplnený priaznivým stavom tela a ducha, stojí za to navštíviť Ermitáž a vidieť najznámejšie expozície múzea.

„Apoštoli Peter a Paul“od El Greca

El Greco je jedným z najjasnejších a najoriginálnejších umelcov. Pôvodom grécky, študoval maľbu v Taliansku v dielni veľkého Tiziana. Olejovú techniku sa naučil od svojho idola a inšpiroval sa aj výtvarnými technikami talianskeho manierizmu. El Greco vynikal medzi svojimi kolegami originalitou dramaticky expresívneho štýlu. Vo svojich portrétoch venoval veľkú pozornosť psychologickej charakteristike. Na tomto obraze z Ermitáže umelec predstavuje dva rôzne typy ľudí. Vľavo je apoštol Peter, ktorý trikrát odmietol existenciu Krista. Jeho tvár vyjadruje smútok a neistotu, zatiaľ čo jeho gestá sú tónované pokáním a prosbou. Apoštol Pavol, ktorý, ako viete, bol pôvodne horlivým prenasledovateľom kresťanov, na obrázku ukazuje duchovnú horlivosť pri potvrdzovaní pravdy. Gestá rúk, ktoré tvoria kompozičný stred diela, vyjadrujú dialóg, ktorý oboch apoštolov spája.

Sivovlasý Peter, zabalený v zlatom rúchu, naklonil hlavu na stranu. V ľavej ruke drží svoj symbol - kľúč od Nebeského kráľovstva. Pavel pevne pritlačí ľavú ruku na otvorený zväzok na stole, pravá dvíha gesto objasnenia pri pohľade priamo na diváka. Svätý Peter a svätý Pavol sa v diele El Greca objavujú mnohokrát a sú stvárnení nápadne dôsledne. Umelec vždy ukazuje Petru so sivými vlasmi a bradou a cez modrú tuniku má často oblečenú žltú róbu. Paul je vždy mierne plešatý, má tmavé vlasy a bradu, v červenom rúchu cez modré alebo zelené šaty.

„Kajúcna Mária Magdaléna“od Tiziana

Kajúcna Mária Magdaléna je portrét sv. Márie Magdalény Tizianovej z roku 1531 s podpisom „TITIANUS“na nádobe vľavo. Podľa sprisahania je to žena s rozpustenou minulosťou, ktorá podľa evanjelia (Lukáš 7, 36-50) prišla do domu farizeja Šimona požiadať Ježiša o odpustenie. Je to ženská postava, ktorú Titian vykresľuje hrubými, koncentrovanými ťahmi a teplými tónmi. Paleta zdôrazňuje neuveriteľné oči nasiaknuté krištáľovými slzami. Medené blond vlasy, ktoré zakrývajú postavu, sú úžasne napísané. Téma kajúcej Márie Magdalény, pozdvihujúca oči k nebu, získala v 16. storočí v Taliansku veľkú popularitu medzi aristokratmi, náboženskými vodcami a bohatou strednou vrstvou. Nedostatok oblečenia symbolizuje odmietnutie Magdalény zo šperkov, zlata a svetských koníčkov kvôli viere v Krista. Zlaté vlasy a celková postava Magdalény navyše spĺňajú štandardy renesančnej krásy.

„Madonna Litta“od Leonarda da Vinciho

Názov dostal názov od milánskej šľachtickej rodiny, v ktorej zbierke sa nachádzal väčšinu 19. storočia. V roku 1865 kúpil plátno pre Hermitage ruský cár Alexander II., Kde je vystavený dodnes. Táto práca zobrazuje Madonu, ktorá dojčí Kristovo dieťa. Všimnite si absencie duchov na tomto obrázku. Túto vlastnosť demonštruje niekoľko Leonardových plátien. Postavy sú zasadené do tmavého interiéru s dvoma klenutými otvormi, ktoré zobrazujú výhľad na hornatú krajinu. Zaujímavý detail: v strede obrázku je v ľavej ruke Krista stehlík, ktorý je symbolom Kristovho umučenia.

Pocit radosti z materstva na obraze „Madonna Litta“je obzvlášť nádherne vykreslený vďaka bohatstvu samotného obrazu Márie - tu našiel svoj zrelý výraz Leonardovej ženskej krásy. Nežná, krásna tvár Madony dodáva polozavretým očiam a ľahkému úsmevu zvláštnu spiritualitu. Kompozícia obrazu je pozoruhodná svojou výraznou jasnosťou a dokonalosťou. Madona s dieťaťom bola v stredoveku bežným motívom kresťanského umenia a pokračovala až do renesancie.

„Lutnový hráč“Caravaggio

Obraz dal vypracovať na objednávku kardinála Francesca del Monte, ktorý výtvarníka sponzoroval. Caravaggio stvárnil mladého muža fascinovaného hudbou: jeho pohľad je plný inšpirácie, prsty sa držia strún. Na tmavom pozadí jasne vystupuje postava mladého muža v bielej košeli. Drsné bočné osvetlenie a padajúce tiene dodávajú predmetom takmer citeľný objem a hmotnosť. Predmety umiestnené na obrázku svedčia o veľkej láske umelca k okolitému svetu, o jeho túžbe pravdivo reprodukovať prírodu a sprostredkovať materiálnu kvalitu každého detailu. Na zošite ležiacom pred hrdinom s lutnou sú zapísané úvodné poznámky madrigalu populárneho v 16. storočí „Vieš, že ťa milujem“.

Láska ako tému tejto práce je naznačená aj inými predmetmi. Popraskaná lutna bola napríklad metaforou lásky, ktorá zlyhala. Na úsvite kreativity Caravaggio často dával mladým ľuďom ženské rysy, ktoré však boli typické pre talianske umenie konca 16. storočia. Je zaujímavé, že hudobník z obrazu z Ermitáže bol často zamieňaný s dievčaťom a kompozícia sa volala „The Lute Player“.

„Dáma v modrom“Thomas Gainsborough

Jedno z najlepších umelcových diel - „Dáma v modrom“- vytvoril Gainsborough na vrchole svojich tvorivých síl. Na tmavom pozadí jemne vyniká postava mladej ženy v otvorených šatách z priehľadnej bielej látky. Jej púdrové vlasy sú upravené do svojrázneho účesu. Veľké kučery padajú cez šikmé ramená. Sviežosť mladistvej tváre zvýrazňujú pootvorené pery a tmavé oči mandľového tvaru. Ľahkým pohybom pravej ruky drží modrý hodvábny šál. Sivasté, modrasté, ružovkasté a biele tóny sú tu a tam vylepšené jasnými ťahmi a pomáhajú sprostredkovať eleganciu a krásu modelu.

Odvážnosť Gainsboroughových obrazových techník ohromila jeho súčasníkov. Reynolds teda zaznamenal „podivné škvrny a črty“na obrazoch Gainsborougha, „ktoré sa zdajú byť pravdepodobnejšie výsledkom náhody než vedomého zámeru“. Práve táto neakademická tradícia je jedným z najväčších úspechov Gainsborougha. „Dáma v modrom“vstúpila do Ermitáže v roku 1916 zo zbierky A. 3. Khitrova závetom.

Návrat márnotratného syna od Rembrandta Harmenszoona van Rijna

Toto majstrovské dielo biblického umenia opäť potvrdzuje Rembrandtov status jedného z najlepších maliarov všetkých čias a najväčšieho zo všetkých starých majstrov v zobrazovaní biblických scén. Obraz Návrat márnotratného syna, ktorý výtvarník dokončil v posledných rokoch svojho života, zobrazuje scénu z podobenstva o Lukášovi 15: 11–32. Podľa vynikajúceho kritika umenia Kennetha Clarka je plátno jedným z najväčších obrazov všetkých čias. Podľa sprisahania otec, podobne ako patriarcha, položí ruky na ramená oholeného kajúcnika a oblečený v opotrebovaných šatách. Oči má takmer zatvorené. Akt odpustenia sa stáva požehnaním takmer sviatostnej sviatosti.

Toto je obraz s najvyššou spiritualitou, oslobodený od všetkých neoficiálnych aspektov, v ktorom sa všetky pohyby a akcie zastavili. Scéna sa ponára do tmy, ako tunel, z ktorého bledo žiaria tváre otca a jeho najstaršieho syna. Ich červené róby dodávajú tejto tme žiaru. Rembrandt opakovane maľoval na tému márnotratného syna, ale v tejto monumentálnej olejovej verzii prišiel k svojmu najvzrušujúcejšiemu a - vďaka kontrastu najstaršieho a mladšieho (márnotratného) syna - k psychologicky najťažšej formulácii.

„Tanec“od Henriho Matisseho

„Tanec“je jedným z najznámejších diel Henriho Matisseho - óda na život, radosť, fyzické odmietnutie a symbol súčasného umenia. Dielo bolo poverené vplyvným ruským zberateľom Sergejom Ščukinom v roku 1909, aby vyzdobil jeho sídlo. Charakteristická svojou jednoduchosťou a energiou, táto umelecká orgia zanechala nezmazateľnú stopu v umení 20. storočia. Tanec bol napísaný na vrchole fauvistickej estetiky a stelesňuje emancipáciu tradičných západných umeleckých tradícií. Estetická voľba Henriho Matisseho pre tento obraz spôsobila v roku 1910 skutočný škandál v umeleckých salónoch. Odvážna nahota a drsné odtiene dodávali obrázku na vtedajšiu dobu mimoriadny charakter, ktorý v očiach niektorých divákov pôsobil barbarsky.

Na zobrazenie tohto tanca použila Matisse iba tri farby: modrú, zelenú a červenú. V súlade s tradičnými fauvistickými farebnými asociáciami tieto tri odtiene vytvárajú intenzívny kontrast. Cieľom Matisse však nebolo šokovať divákov. Naopak, snažil sa spájať ľudí medzi sebou a s prírodou. Ako umelec povedal: „To, o čom snívam, je vyvážené, čisté a pokojné umenie, ktoré dokáže predísť problémom alebo sklamaniu“.