Ako sa obrazy známych umelcov stali súčasťou módy a formovali nový štýl dvadsiateho storočia

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Naposledy zmenené: 2023-12-16 00:16

Prepojenia medzi umením a módou definujú konkrétne momenty histórie. Obe tieto médiá odrážajú sociálne, ekonomické a politické zmeny od búrlivých dvadsiatych rokov po živé osemdesiate roky. Tu sú štyri príklady umelcov a módnych návrhárov, ktorí svojou prácou pomohli formovať nový pohľad na umenie a módu 20. storočia.

1. Halston & Warhol: Bratstvo módy

Priateľstvo Roya Halstona a Andyho Warhola definovalo umelecký svet. Roy aj Andy boli vodcovia, ktorí vydláždili cestu k tomu, aby sa umelec / návrhár stal celebritou. Odstránili predstieranú stigmu sveta umenia a priniesli módu a štýl masám. Warhol na vytvorenie obrázkov niekoľkokrát použil sieťotlač. Aj keď tento postup určite nevymyslel, spôsobil revolúciu v myšlienke sériovej výroby.

Roy používal látky a vzory, ktoré boli jednoduché a elegantné, ale očarujúce jeho používaním flitrov, ultras a hodvábu. Bol jedným z prvých, kto sprístupnil a žiadal americkú módu. Obaja zanechali svoju konečnú stopu v umení a štýle v 60., 70. a 80. rokoch minulého storočia, čo trvá dodnes.

Roy aj Andy spolupracovali na mnohých rôznych projektoch. Warhol vytvoril reklamné kampane, ktoré obsahovali Halstonov odev a dokonca aj samotného Halstona. Halston zase použil kvetinovú potlač Warhol v niektorých svojich zbierkach oblečenia, od večerných rób po súpravy na voľný čas.

Roy vo svojich šatách používal jednoduché vzory, vďaka ktorým boli veľmi úspešné. Príjemne sa nosili, ale vďaka látkam, farbám a potlače mali aj nádych luxusu. Warhol taktiež zjednodušil svoje materiály a postup. To uľahčilo reprodukciu jeho práce a zvýšilo ich predajnosť.

Komerčný úspech mal pre oboch umelcov svoje vlastné výzvy. Halston bol prvým partnerom obchodného reťazca JCPenney v roku 1982 a to ovplyvnilo kvalitu jeho značky. Warhol sa stretol aj s kritikou, pretože jeho práca bola vnímaná ako povrchná. Obaja však zmodernizovali svoje maloobchodné a marketingové využitie vo svojich priestoroch, aby vytvorili značky pre masový predaj na trhu.

Roy a Andy boli častými návštevníkmi Štúdia 54. Organizovali večierky, navrhovali a vyrábali diela pre celebrity ako Liza Minnelli, Bianca Jagger a Elizabeth Taylor. To všetko sa odráža v ich tvorbe, pretože inšpirovali a definovali disko éru 70. rokov.

Halston bola známa tým, že vytvára trblietavé večerné oblečenie. Roy flitre položil horizontálne na látku, čím vytvoril trblietavý efekt materiálu, ktorý použil na vytvorenie luxusných outfitov, ktoré si obľúbili mnohé očarujúce dámy.

Séria Warhol Diamond Dust Shoe tiež ilustruje nočný život Studio 54 a celebrity v ňom žijúce. Diamantový prach používal na šablóny alebo obrazy, čo vytvára pre prvok ďalší prvok hĺbky. A práve jeho topánky boli pôvodne myšlienkou Halstonovej reklamnej kampane. V každom prípade títo dvaja urobili obrovský prínos pre módu a zanechali za sebou nezmazateľnú stopu. Skutočne, aj dnes sa mnohí moderní dizajnéri inšpirujú myšlienkami Andyho a Roya a vytvárajú veľkolepé zbierky s ozveny minulosti.

2. Sonia Delaunay: Keď sa umenie stane módou

Sonia Delaunay nielenže priniesla revolúciu v novej forme kubizmu, ale predstavila aj prepojenie umenia a módy. Delaunay aj jej manžel boli priekopníkmi orfizmu a experimentovali s rôznymi formami abstrakcie v umení. Bola prvou svojho druhu, ktorá použila svoj vlastný umelecký štýl a presťahovala sa do sveta módy s použitím svojich originálnych textilných návrhov, potlačí alebo vzorov. Viac si ju pamätajú pre svoje umenie a spojenie s manželom ako pre módu. Jej štýl hral v 20. rokoch 20. storočia hlavnú úlohu a jej katalóg odevov sa pamätal viac na fotografie a odkazy na jej umenie ako na samotné odevy. Pre Sonyu existovalo a neexistuje hranica medzi umením a módou. Pre ňu sú jedno a to isté.

Svoje módne podnikanie začala v 20. rokoch 20. storočia, kde vytvárala oblečenie pre klientov a navrhovala látky pre výrobcov. Sonya nazvala svoj štítok Simultánny a zašla ešte ďalej s použitím farby a vzoru na rôzne témy. V jej práci hrala súbežnosť súbežnosť a jej neobvyklá technika pripomínala patchworkovú prikrývku alebo textílie z východnej Európy: farby boli navzájom prekrývané a vzory slúžili na vytváranie harmónie a rytmu. Medzi jej spoločné témy patria štvorce / obdĺžniky, trojuholníky a diagonálne čiary alebo gule - všetky sa prekrývajú v jej rôznych prevedeniach.

Delaunay bola mladá žena v edvardovskej ére, keď boli korzety a poddajnosť normou. To sa zmenilo v 20. rokoch 20. storočia, keď ženy začali nosiť sukne nad kolená a voľné, padnúce oblečenie. Tento aspekt je možné vidieť na Delaunayových návrhoch a ona bola vášnivá vo vytváraní oblečenia, ktoré vyhovuje potrebám žien. Spoločnosť Sonya vyvinula plavky, ktoré ženám umožnili cítiť sa pohodlnejšie, aj keď športujú a plávajú. Svoje výtlačky dala na kabáty, topánky, klobúky a dokonca aj autá, pričom na plátno použila akýkoľvek povrch. Jej návrhy vytvárali slobodu pohybu a prejavu prostredníctvom farby a tvaru.

Počas svojej kariéry sa neustále pokúšala o niečo nové a v dôsledku toho sa presťahovala do kina a divadla. Sonia navrhla kostýmy pre Malý Parížan Rene Le Somptiera, zatiaľ čo jej manžel urobil súpravu pre film. Mala rada geometrické tvary, obratne ich kombinovala a miešala, vytvárala bizarné vzory a prerušované čiary, ktoré sa stali jej charakteristickým znakom.

3. Spolupráca medzi Elsou Schiaparelli a Salvadorom Dalím

Avantgarda surrealistického umenia sa spája s lídrom surrealistickej módy. Salvador Dali a módna návrhárka Elsa Schiaparelli počas svojej kariéry navzájom spolupracovali a inšpirovali sa. Vytvorili ikonické looky ako Lobster Dress, The Shoe Hat a The Tear Dress, ktoré šokovali a inšpirovali publikum v umení aj v móde. Dali a Schiaparelli vydláždili cestu pre budúcu spoluprácu medzi módnymi návrhármi a umelcami a preklenuli priepasť medzi tým, čo sa považuje za nositeľné umenie, a módou. Dali používal homáre ako opakujúcu sa tému vo svojej práci a zaujímala sa o ich anatómiu.

Šaty „Omar“sú spoločným dielom Elsy a Daliho a ich vytvorenie spôsobilo veľa kontroverzií nielen v deň jeho debutu, ale aj po ňom. Po prvé, má čistý živôtik a bielu sukňu z organzy. Neobvyklý outfit doslova vyhodil do vzduchu svet módy, čo v tejto súvislosti vyvolalo veľa kontroverzií. Použitie bielej látky tiež kontrastuje s červenou farbou homára. Bielu možno považovať za panenskú alebo v porovnaní s červenou symbolizovať čistotu, čo môže znamenať uvoľnenosť, moc alebo nebezpečenstvo.

Kostry sú ďalšou témou nachádzajúcou sa v surrealistickom umení a boli použité pri viacerých spolupráciach medzi Dalim a Schiaparellim. Šaty Skeleton boli prvé svojho druhu. Elsa použila techniku zvanú trapunto, kde sú dve vrstvy látky zošité dohromady, čím sa vytvorí obrys, do ktorého je vložené vatelín, čím sa zvýši efekt. Táto technika vytvára textúrovaný povrch na plochej tkanine, čo vytvára ilúziu, že ľudské šaty vyčnievajú cez šaty. To spôsobilo škandál, pretože šaty boli vyrobené z elastického materiálu, ktorý priľnul k pokožke. Fantázie Dalího obrazov a kresieb boli stelesnené v neskutočnom svete Schiaparelliho outfitov, ktoré dodnes pôsobia na divákov i dizajnérov nezmazateľným dojmom.

4. Yves Saint Laurent: Súboj umenia a inšpirácie

Kde je hranica medzi napodobňovaním a ocenením? Kritici, publikum, umelci a dizajnéri sa snažili určiť, kde táto línia prebieha. Pokiaľ však išlo o Yvesa Saint Laurenta, jeho zámery neboli nič iné ako lichotenie a obdiv k umelcom a obrazom, ktoré používal ako inšpiráciu. Pri pohľade na svoje rozsiahle portfólio sa Saint Laurent inšpiroval kultúrami a umením z celého sveta, ktoré úspešne začlenil do svojho oblečenia.

Napriek tomu, že sa Yves nikdy nestretol s umelcami, ktorí ho inšpirovali, nezabránilo mu to vytvárať umelecké diela na znak úcty k nim. Laurent čerpal inšpiráciu od umelcov ako Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque a Picasso. Bol zberateľom umenia a zbieral obrazy Picassa a Matisseho, ktoré zavesil vo svojom dome.

Yves vzal niektoré z umeleckých motívov a zmenil ich na úchvatné oblečenie, ktoré vzdáva poctu niektorým z jeho obľúbených umelcov. Šesťdesiate roky boli časom revolúcie a komercializmu, novou érou módy a umenia. Saint Laurentove projekty získali komerčný úspech, keď začal čerpať inšpiráciu z pop -artu a abstrakcie. V roku 1965 vytvoril dvadsaťšesť šiat inšpirovaných abstraktnými maľbami Piet Mondrian. Šaty stelesňovali Mondrianovo použitie zjednodušujúcich tvarov a odvážnych základných farieb. Yves použil techniku, pri ktorej medzi vrstvami látky neboli viditeľné švy, čo pôsobilo dojmom, že oblečenie je jeden celý kus. Saint Laurent vzal Mondrianovo umenie z 20. rokov minulého storočia a v porovnaní so 60. rokmi minulého storočia ho urobil nositeľným.

Módne šaty sú klasickými príkladmi štýlu 60. rokov. Boli podobné odevom z 20. rokov 20. storočia, ktorý bol menej obmedzený a mal rukávy a spodné okraje, ktoré odhaľovali veľké škvrny na koži. Vďaka hranatým siluetám svätého Laurenta sa ženy cítia ľahké a slobodné. To ho viedlo aj k inšpirácii od umelcov pop -artu, akými sú Tom Wesselman a Andy Warhol. Vytvoril rad návrhov inšpirovaných pop -artom, ktoré na jeho oblečení predstavovali siluety a výrezy. Išlo o prekonanie obmedzení toho, čo je abstrakcia v umení, a komercializácie dizajnu. Laurent spojil tieto dve myšlienky a vytvoril oblečenie pre ženy, ktoré je zadarmo a je atraktívne pre moderné dámy.

Bundy Vincenta Van Gogha od Saint Laurenta sú príkladom toho, ako Yves spojil výtvarnú inšpiráciu s vlastným dizajnérskym talentom. Rovnako ako jeho ostatné odevy, témy súvisiace s umelcom neboli kopírované a prilepené na odev svätého Laurenta. Namiesto toho sa ich rozhodol použiť ako zdroj inšpirácie a vytvárať kúsky, ktoré odrážajú jeho vlastný štýl. Bunda je ukážkou štýlu 80. rokov, ktorý je vyšívaný slnečnicami v malebnom štýle Van Gogha.

Laurent spolupracoval s Maison Lesage, vedúcou spoločnosťou vo vyšívaní haute couture. Bunda „Slnečnice“je vyšívaná rúrkovými korálkami. Kvety sú naplnené rôznymi odtieňmi oranžových a žltých iskier. To vytvára viacrozmernú textúru podobnú Van Goghovej technike nanášania hrubej farby na plátno. Odhaduje sa, že je to jeden z najdrahších predmetov haute couture, aké kedy boli v Christie's vyrobené a predané za takmer štyristotisíc eur. Saint Laurent otvoril cestu k noseniu oblečenia ako umeleckého diela samého o sebe, bez ohľadu na módu a časové obdobie.

Pokračovaním v téme si prečítajte aj o čo viedlo Saeko Yamaguchi k úspechu, vďaka čomu sa stala jednou z najobľúbenejších múzeí Kenzo a Yamamoto.